La XIV Copa Mundial de Fútbol se desarrolló en Italia, entre el 8 de junio y el 8 de julio de 1990. Con su inmortal tema musical “Un’estate Italiana” interpretado por Gianna Nannini y Edoardo Bennato, Italia 90 se ha convertido en uno de los mundiales de fútbol más recordados y comentados. Por ejemplo, un Blogger recuerda “existe un amplio consenso en el mundo del fútbol acerca de que el peor Mundial disputado hasta la fecha fue el de Italia 90, al menos en lo que concierne a nivel futbolístico e interés para el espectador. Los principios resultadistas de Bilardo, triunfadores cuatro años antes, y la nueva Edad de Oro del catenaccio (sólo discutida por el brillante Milán de Sacchi) dieron lugar a juego defensivo, poco riesgo, mucha especulación y escasez de goles; el promedio de tantos marcó un mínimo histórico, y hasta Brasil, comandado por Lazaroni, renunció a los principios del jogo bonito. Y se fue a casa más pronto que tarde”. Asimismo, otros agregan “ya no quedaba nada del semi-Dios de 1986, que había deslumbrado a todos. La versión de Maradona en este Mundial lo mostraba irritable y protestón, y mostrando su magia en cuentagotas”.
Evidentemente, para muchos fue “un pobre mundial”. Y hasta un medio deportivo citó un dicho de los aficionados holandeses que dice que “los torneos pobres siempre tienen como ganador a Alemania”. Y bueno, parece que ésta no fue la excepción.
Al organizar el torneo en 1990, Italia se convirtió en el segundo país en celebrar una Copa Mundial en dos ocasiones distintas.
Veinticuatro selecciones nacionales participaron en este evento que tuvo varias sorpresas, como la participación de Camerún, que se convirtió en el primer equipo africano en llegar hasta la ronda de los cuartos de final (llegando a ser conocidos como los “leones indomables”) y el debut de Costa Rica, la República de Irlanda y los Emiratos Árabes.
La final fue jugada por segunda vez consecutiva por Argentina y Alemania Federal, poco antes de su unificación con Alemania Democrática. En esta ocasión, ganaron los europeos por 1-0 con un controvertido penal pitado por el árbitro uruguayo -nacionalizado mexicano- Edgardo Codesal y convertido por Andreas Brehme en el minuto 86 de juego.
Como datos curiosos encontramos que el nigeriano Samuel Okwaraji, de 23 años de edad, falleció durante el partido eliminatorio contra Angola a causa de una insuficiencia cardíaca y congestiva. La muerte repentina de este jugador fue similar a la del camerunés Marc-Vivien Foé 14 años más tarde (2003). Entre otras curiosidades, además, México fue suspendido y no pudo participar del torneo por haber fraguado la edad de algunos jugadores en un Sub-20; República de Irlanda alcanzó los cuartos de final sin ganar ningún partido en los noventa minutos y habiendo marcado sólo dos goles; Argentina fue el primer equipo en no marcar goles en la final de un Mundial; los dos goles marcados por el camerunés Roger Milla en el partido de segunda ronda ante Colombia lo llevaron a ser el jugador más viejo en haber convertido en un Mundial, con una edad de 38 años y 20 días. Milla batió su propia marca cuatro años más tarde. Finalmente, cabe destacar que hasta el momento nadie ha logrado lo que Beckenbauer consiguió: ser campeón del mundo como capitán (1974) y como seleccionador (1990).
Bueno amigos, al ser ésta la última nota, qué mejor que hacerlo con la pasión del 99% de los argentinos, sobre todo ahora que podemos hacer uso y abuso de la misma en este país en donde debemos hipotecar la casa para comprar un kilo de carne para hacer asado, pero tenemos fútbol gratis!! Je! Un placer haber compartido este espacio virtual junto a todos ustedes!! Gracias! 
Silvina Rodríguez Gáspari
MacGyver fue una serie de televisión estadounidense que comenzó en 1985 y duró 7 años en el aire. Fue originalmente emitida por la cadena norteamericana ABC (actualmente los derechos los posee la CBS).
La historia fue protagonizada por Richard Dean Anderson, un curioso personaje al servicio de la “Fundación Phoenix” que, con su magistral inteligencia, ayudaba a los buenos y combatía a los malos. Fórmula que, por supuesto, nunca falla. Pero a pesar de esta idea recurrente –el bien triunfa sobre el mal- lo espectacular de la serie radica en la habilidad de MacGyver para improvisar cualquier artilugio con elementos simples y de lo más variados: chicles, clips, mecheros, neumáticos; todo ello gracias a su inseparable navaja suiza multiuso y a su Jeep.
MacGyver es un agente secreto, cuya arma letal es su propia inteligencia. Con tan sólo su mochila repleta de diversos objetos normales y corrientes, siempre es capaz de fabricar toda clase de elementos y escapar de los peligros que se topan en su camino, tanto en sus misiones como en su vida cotidiana. Tiene parte de boy scout y parte de genio. Nunca usa armas de fuego y siempre evita matar a alguien. Por ello, para él siempre se podrán resolver los conflictos sin necesidad alguna de recurrir a la violencia.
El nombre de MacGyver permanece como un misterio hasta uno de los últimos episodios de la serie. Cada vez que alguien pregunta siempre dice que no le gusta y cambia de tema. El guión del piloto le atribuye el nombre de “Stace”, información que apareció en los anuncios promocionales, pero no en el episodio. Su nombre aparece por primera vez en el episodio “Good Knight, MacGyver”, en el cual se descubre que posee ascendencia escocesa del siglo séptimo, al llamarse Angus M’Iver. Esta denominación vuelve a aparecer en el episodio final cuando se presenta a su hijo, SAM, cuyo nombre está formado por la conjunción de Sean Angus MacGyver.
Durante las temporadas 4, 5, 6 y 7 la serie gira en torno a problemas sociales como armas de fuego y jóvenes problemáticos. Sin embargo, durante las tres primeras temporadas, se centra más en el trabajo que realiza el protagonista para la Fundación Phoenix o el Gobierno.
Otro de los personajes que no podemos olvidar en esta serie es Pete Thornton (interpretado por Dana Elcar), el jefe de MacGyver y, al mismo tiempo, su mejor amigo. Pete -operativo del Departamento de Servicios Externos- conoce a MacGyver mientras persigue a Murdoc, un asesino internacional (archienemigo de MacGyver). Cuando Pete acepta la posición de Director de Operaciones de la Fundación Phoenix -siete años más tarde-, se contacta con MacGyver y lo convence para formar parte de la Fundación.
Como dato curioso, hoy encontramos algo muy interesante. En 1991, el actor Dana Elcar comenzó a desarrollar glaucoma, una condición degenerativa de la vista que causa ceguera. Esta situación se incorporó a la serie y durante su emisión aparecieron anuncios sobre la enfermedad, como así también teléfonos de contacto para las personas interesadas en saber más. El actor falleció el 6 de junio de 2005 en Ventura (California) debido a complicaciones de una neumonía. Tenía 78 años.
Finalmente, luego de la cancelación de la serie original, se rodaron dos películas para la televisión basadas en la serie original, interpretadas por los actores originales, cuyo estreno fue en 1994. Éstas fueron MacGyver: Lost Treasure of Atlantis (MacGyver y El tesoro perdido de la Atlántida) y MacGyver: Trail of Doomsday (MacGyver hacia el día del juicio final).
Así que amigos, verán que no sólo se pueden resolver importantes cosas con elementos que consideramos insignificantes, sino que también aprendemos que hay millones de maneras de solucionar problemas sin utilizar la violencia. Por supuesto que no todos podemos ser MacGyver, pero más allá de la ficción, sería bueno reflexionar sobre el mensaje de la trama, no les parece? Ahora bien, para dejar un poco de lado la seriedad en este hermoso domingo, los dejo con otra presentación de MacGyver, pero esta vez “by Homer Simpson”. Lamento comunicarles que el único audio que encontré es el español, pero bueno, olvídense de eso y disfruten un poco que la risa es el único remedio capaz de curar TODO, absolutamente TODO
Silvina Rodríguez Gáspari
Sailor Moon, (su nombre completo: Pretty Soldier Sailor Moon 美少女戦士セーラームーン Bishōjo Senshi Sērā Mūn?) es un manga perteneciente al género shôjo creado por Naoko Takeuchi en 1992. La serie se hizo particularmente famosa por volver a popularizar el subgénero de las magical girls, y sus elementos sentai consiguieron que el éxito también fuese masivo entre el sector masculino, generalmente menos interesado en este tipo de historias.
Fue publicada en la revista japonesa Nakayoshi (Amigas Íntimas) de la editorial Kodansha entre 1992 y 1997 y recopilada en 18 volúmenes.
La historia logró una espectacular aceptación, por lo que Naoko Takeuchi recibió como propuesta realizar una serie de anime. Sin embargo, la autora prefirió añadir más personajes y conformar una trama más sólida. De esa manera, surgió la serie Bishōjo Senshi Sailor Moon, secuela de la anterior, que comenzó a publicarse paralelamente a la de Codename wa Sailor V y que más tarde primó sobre ésta, siendo de carácter irregular, finalizaría incluso después de la propia Sailor Moon.
La serie saltó al anime casi simultáneamente a su publicación en 1992 y fue doblada a 38 idiomas (hasta ahora el anime con mayor número de doblajes conocido) y emitida en alrededor de 80 países. Su manga superó en éxito a Codename wa Sailor V.
Por otra parte, SAILOR MOON contó con un importante número de musicales llamados Sera Myu y una serie de acción real, llamada Pretty Guardian Sailor Moon, con 49 capítulos y 5 especiales de vídeo.
Sin embargo, más allá de la compleja trama, lo curioso aparece una vez más en la necesidad de esbozar diversos conceptos por parte de los creadores y de esconderlos por parte de quienes compran el producto. Estamos hablando de los grandes censores americanos y europeos.
En el caso de Sailor Moon, como en muchos otros materiales infantiles, apareció esa necesidad de poner en duda la sexualidad de los personajes por un lado, y la urgencia por “taparlo para que no se note”, por otro. Además, otra de los “conceptos” que no podían ser aceptados de ninguna manera por el tío Sam era la extrema violencia que se presentaba en el programa.
En Occidente, la serie de anime fue acusada de contenidos poco apropiados para el público al que iba dirigido. De este modo, en Estados Unidos se saltaron 5 capítulos de la primera temporada. Se dice que el motivo fue para dar a las cadenas un número redondo de capítulos, así tenían 40 y no 46, claro. Los capítulos 45 y 46 se fusionaron en uno solo, porque eran muy violentos y las Sailors Senshi morían de una manera en que no podían ser vistas por los niños.
En Latinoamérica Zoycite y Ojo de Pez fueron convertidos en chicas para censurar sus gustos sexuales. Además, en la película Sailor Moon R “La promesa de la rosa”, cuando Usagi tenía dudas sobre la relación de Mamoru y Fiore, Amy dijo: “Mamoru es tan lindo que atrae hasta los chicos.” Para evitar confusiones, en la versión latinoamericana, Rossy Aguirre suavizó la frase y dijo: “Parece que Darien es un muchacho muy atractivo, ¿no lo creen?.”
En España, la relación de Zoycite y Kunzite (Malachite) fue presentada como de “tío y sobrino” y en Estados Unidos Haruka y Michiru fueron primas.
Finalmente, en la saga Sailor Moon Stars, Sailor Lead Crow llegó a sentir algo por Sailor Aluminum Siren, por la constante forma en que le ayudaba y por ser la única que lloró en el momento de su muerte. Sin embargo, en la serie nunca se pudo apreciar algo entre ellas.
Quizás no resulte novedoso, considerando que las tramas japonesas siempre tienen su contenido artificioso y que nuestros amigos del Norte muchas veces se encargan de “disfrazarlo” para que se pueda vender sin ningún escándalo. Pero sí es curioso cómo encontramos en una gran variedad de productos infantiles mensajes innecesarios, ya sean los camuflados por los autores o los censurados por los “administradores”. Porque hasta la forma de borrar de los censores es graciosa. Un ejemplo claro es el cambio de relación de las muchachitas en Sailor Moon por el de parentesco (son primas, por ende, no va a pasar nada entre ellas! Ja!). Me parece que no tiene desperdicio. Muy simpático, muy Disney.
Sigo insistiendo en que el ojo crítico a veces se torna demasiado rebuscado y que no deja ser a las cosas como son: en este caso, dibujos animados. Para dramas e ideas impuestas ya tenemos a los políticos y a los noticieros, no les parece?
Silvina Rodríguez Gáspari
Poison es una banda estadounidense de Glam Metal que fue popular a finales de los años ochenta y principios de los noventa, con más de 50 millones de álbumes vendidos sólo en su país y que se ha convertido en una de las bandas representativas de ese género. Sus ventas en el mundo superan los 70 millones de copias.
1983 fue el año que dio comienzo a la banda en Harrisburg, Pensilvania. Tras la simpática forma en que se conocieron dos de sus integrantes -Rikki Rockett (baterista) era el estilista de la hermana de Bret Michaels (vocalista)-, luego reclutaron a Bobby Dall (bajista) y después se les unió Matt Smith (guitarrista), empezaron llamándose Paris.
Más simpático aún resultaría el por qué del cambio en la denominación. Sucede que después de haberse mudado a Los Ángeles, California, cuando ya estaban teniendo fama, los grupos religiosos solían decirles: “ustedes son veneno, mal veneno!”. Fue gracias a esas “acusaciones” que surgió el nombre Poison (veneno en inglés), dado que a los integrantes les causaban gracia esos comentarios.
El estilo estrafalario en el vestir y en sus peinados durante los inicios de la banda atrajo a un gran número de seguidores. Asimismo, sus grandiosos saltos en cada canción como en “Nothin’ But A Good Time” o en su mayor éxito “Every Rose Has Its Thorn” (número uno), han contribuido a que estos muchachitos alcanzaran la cima de manera magistral. Además, los videos musicales coloridos y con situaciones divertidas, siguiendo con la tendencia de otros grupos de gran éxito como Mötley Crüe, Bon Jovi, Def Leppard, han dado a Poison un lugar sin igual en las listas musicales y entre los seguidores del Glam.
Sus tres primeros álbumes fueron los que les concedieron su fama internacional. Sin embargo, a principios de los noventa tuvieron una pausa debido al despido de C.C. DeVille en 1992 (que regresaría en 1999) y al surgimiento del grunge.
Más tarde, con un magnífico éxito en Los Ángeles, el guitarrista Matt Smith decidió regresar a Pensilvania porque su novia estaba embarazada del que sería su primer hijo. Poison se desanimó enormemente, pero no se rindió. Luego de una larga serie de audiciones encontraron a C.C. DeVille, quien se convertiría en el guitarrista principal original por siempre de la banda. También es importante señalar que Slash había audicionado y que Bret votó por él debido a su estilo tipo Aerosmith, pero Rikki y Bobby prefirieron a C.C. dado su estilo más Van Halen.
Entre 1991 y 1999, Poison sufrió algunos cambios. Los MTV Video Music Awards de 1991 configuraron el escenario de la decadencia. Al parecer, MTV les había dicho que interpretaran Unskinny Bop, pero C.C., con el cabello teñido de rojo y bajo los efectos de la droga, se rehusó a tocarla. Cuando llegó el momento de realizar su presentación en la entrega, ante el mundo entero y con un espacio de tan sólo 5 minutos, C.C. empezó a tocar otra canción. Era una situación muy tensa, ya que C.C no sólo no tocó bien la canción, sino que también pisó su cable y lo desconectó. Al finalizar la canción, las cosas empeoraron mucho más dado que C.C. DeVille y Bret Michaels se pelearon a golpes entre bambalinas. Fue muy controvertido y esa misma noche C.C. DeVille fue despedido de Poison. En su reemplazo entró Richie Kotzen como guitarrista, pero nunca fue apreciado ni por la gente, ni por los fans, ni por los mismos integrantes de la banda.
Pero los problemas no se alejarían, sino que se agudizarían con el romance entre Kotzen y la prometida de Rikki Rocket. De esta manera, Kotzen fue expulsado y reemplazado por Blues Saraceno.
Después de 8 años de separación Michaels y DeVille arreglaron sus diferencias y la reunión finalmente fue en 1999. Poison alcanzó nueva notoriedad entre sus fans, desarrollando una nueva generación de jóvenes interesados en que el Hard Rock regresara a la popularidad. La banda finalmente con C.C. de nuevo realizó una gira mundial para promocionar la vuelta del guitarrista original y su fuerte retorno como Poison.
Durante esta última década han recuperado bastante su fama al salir en numerosos programas de televisión y participar en entregas de premios. Pero el que más ha logrado el reconocimiento mundial es su líder vocalista Bret Michaels, quien el día 24 de Abril del año 2010, sufrió un derrame cerebral y, un mes más tarde, tuvo un accidente cerebro vascular. Afortunadamente, en la actualidad se recuperó, mostrando su mejoría en el evento de Miss Universo 2010.
Así que amigos parece que hay Poison para rato. Eso sí! Tengan cuidado, amantes de la buena música, que su conocido “Every Rose Has Its Thorn” anda circulando en voz de la adolescente Miley Cyrus (Hannah Montana para los que aún no reconocen de quién se trata). Sin desmerecer su trabajo y considerando que el propio Michaels se ha encargado de la producción, como siempre, recomiendo versiones originales. No es por nada, no? Pero creo cada uno debe elegir de dónde extraer su propio veneno. En este caso, habría que diferenciar entre una buena biblioteca musical y Disney Channel
Silvina Rodríguez Gáspari
Miami Vice (con sus diferentes nombres: En España: Corrupción en Miami; en Hispanoamérica: División Miami, Vicio en Miami o Miami, Policía Especial) es una serie de televisión estadounidense producida por Michael Mann para la NBC. Su principal característica ha sido la novedosa integración de música y efectos visuales para narrar la historia. Sus protagonistas, Don Johnson y Philip Michael Thomas, interpretaban a dos detectives del Departamento de Policía del Condado de Miami-Dade, que trabajaban encubiertos en Miami.
La serie se emitió durante cinco temporadas en la NBC, desde 1984 hasta 1989. USA Network comenzó a emitir reposiciones al año siguiente, en 1990, y emitió un episodio inédito durante la redifusión de la serie hasta el fin de las mismas, el 25 de enero de 1990.
A diferencia de las series basadas en los procedimientos policiales habituales, Miami Vice se inspiró, en gran medida, en la cultura y música new wave de los años ochenta. Esto la posesionó como una de las series más influyentes de la historia de la televisión, desatando comentarios de revistas de importante trascendencia como “People”, revista que aseguró que Miami Vice “fue la primera serie que parecía realmente nueva y diferente desde la aparición de la televisión en color”. Además, ha sido una de las primeras series emitidas en Estados Unidos en sonido estéreo.
En cuanto al reparto, en un principio, los responsables de la serie consideraron a Nick Nolte y Jeff Bridges para el papel de Sonny Crockett, pero para las estrellas de cine no era rentable aventurarse en televisión en aquellos años, por lo que se buscaron otro tipo de candidatos. De esta manera, surgió el nombre de Larry Wilcox, pero los productores pensaron que no sería buena idea contratar a un actor que ya venía de interpretar un papel como policía. Tras considerar a varios candidatos más y retrasar el rodaje del episodio piloto en dos ocasiones, los elegidos fueron Don Johnson y Philip Michael Thomas como los policías antivicio. Con Johnson, de 35 años de edad en ese momento, la NBC tenía algunas dudas por el poco éxito que había conseguido anteriormente en los distintos proyectos en los que había trabajado. El actor, por su parte, tampoco parecía muy convencido, ya que tras dos temporadas, intentó abandonar Miami Vice. En el seno del equipo responsable de la serie ya habían encontrado su sustituto en Mark Harmon, que había dejado recientemente su papel en la serie St. Elsewhere, pero Johnson decidió continuar en Miami Vice hasta el final. Notarán que el gataflorismo no discrimina sexo, religión ni profesión.
Como señalaba en un principio, Miami Vice es conocida por su innovador uso de la música, especialmente de los éxitos pop y rock de los años ochenta y la particular, sintetizada e instrumental música de Jan Hammer. Mientras que otras series utilizaban música compuesta expresamente para televisión, Miami Vice gastaba alrededor de 10.000 dólares por episodio para conseguir los derechos de las grabaciones originales. Tener una canción sonando en Miami Vice era un impulso para la carrera de los músicos y de los sellos discográficos. De hecho, algunos periódicos, como USA Today, avanzaban a los lectores las canciones que aparecerían en los episodios de esa semana. Entre las bandas y músicos más importantes que contribuyeron con su música a la serie se incluyen Roger Daltrey, El Debarge, Devo, Jackson Browne, Meat Loaf, Phil Collins, Bryan Adams, Tina Turner, Peter Gabriel, ZZ Top, The Tubes, Dire Straits, Depeche Mode, The Hooters, Iron Maiden, The Alan Parsons Project, Godley & Creme, Corey Hart, Glenn Frey, U2, Frankie Goes to Hollywood,[5] Foreigner, The Police, Red 7, Laura Branigan, Ted Nugent, Suicidal Tendencies, The Damned y Billy Idol. Algunos artistas incluso aparecieron como invitados en los episodios, como Phil Collins, Miles Davis,] Power Station, Glenn Frey, Suicidal Tendencies, Willie Nelson, Ted Nugent, Frank Zappa, The Fat Boys y Sheena Easton. Una escena muy recordada del episodio piloto de Miami Vice fue la que protagonizaron Crockett y Tubbs conduciendo por la noche en Miami con la canción “In the Air Tonight”, de Phil Collins.
A modo de dato curioso, no podemos dejar pasar por alto un hecho relacionado con la aparición de un aviso publicitario encubierto. Sucede que la serie fue protagonista involuntaria de una agria polémica en Abril de 1985 tras la emisión de un capítulo en el que “Sonny” Crockett (Don Johnson) se deja su chaqueta sobre una silla mientras tiene un encuentro amoroso con Caitlin Davies (Sheena Easton). Durante los 18 segundos que duró la escena podía verse al fondo claramente la marca de Adolfo Domínguez estampada sobre la chaqueta del apuesto “Sonny”. Sin embargo, Crockett no se “molestó” en quitarse la camisa durante la escena de cama. La famosa marca Orensana nunca reconoció su complicidad con la serie. No obstante, esta polémica supuso el despegue de una empresa que se encontraba en una situación incierta. Mera casualidad??? Mmm…. Nunca se debe perder el derecho a la duda…
Finalmente, las reposiciones de los episodios de la serie tras su finalización comenzaron en FX Networks desde 1996 hasta 1999. Más tarde, en 2006, el canal de televisión por cable TV Land emitió reposiciones durante un año, el mismo en que apareció la versión cinematográfica de esta serie, dirigida por el que fuera su productor en los ochenta, Michael Mann, y protagonizada por los actores Colin Farrell y Jamie Foxx, como la pareja de detectives, y Gong Li y el actor español Luis Tosar como los traficantes a los que intentan apresar.
Para quienes no son amantes del reciclaje o de las adaptaciones modernosas en el cine, pueden encontrar la serie original en FOX Crime, canal que actualmente se encarga de emitirla. Así que no se pueden quejar, mis amigos, hay para todos los gustos. Particularmente, recomiendo volver a la versión original, no sólo por la trama, sino también por la música. Imperdible!
Silvina Rodríguez Gáspari
Back to the Future (conocida también como Volver al Futuro en Hispanoamérica, Regreso al Futuro en España; y comúnmente abreviado como BTTF por los fanáticos de la trilogía) es una película de ciencia ficción y comedia rodada en Estados Unidos. Dirigida por Robert Zemeckis; y producida por Steven Spielberg se estrenó en 1985.
El guión fue escrito por Bob Gale y Robert Zemeckis, mientras que sus protagonistas fueron Michael J. Fox, que interpreta a Marty McFly, y Christopher Lloyd, como el excéntrico doctor Emmett Brown. Originalmente, el actor que iba a interpretar a Marty McFly era Eric Stoltz, pero tras cinco semanas de rodaje, fue descartado por el director, por no tener suficiente estilo cómico. La película recaudó 210 millones de dólares, por lo que se convirtió en la más taquillera de 1985, y en un film muy rentable, pues costó sólo 19 millones.
La historia se basa en un joven, cuyo mejor amigo es un científico quien, tras hacer unas pruebas sobre su nuevo invento, lo envía accidentalmente al pasado, poniendo, de esta manera, su propia existencia en grave peligro. Luego del éxito inesperado de la película se rodaron dos más, como continuación de la historia original: en 1989 se estrenó Back to the Future II y finalmente en 1990 Back to the Future III, concluyendo la trilogía.
Cabe mencionar que esta trilogía es considerada de culto por la generación de los años ochenta y por los seguidores de la ciencia ficción. Además, resulta interesante y hasta original el giro que le da el director a los problemas entre padres e hijos, puesto que en esta ocasión el adolescente no sólo comprende a sus padres, sino que lucha por ayudarles, ya que su propia existencia está en juego. De este modo, Marty (Michael J. Fox), cambia el futuro de sus padres en el pasado, cuando generalmente son ellos los que pretenden orientar a sus hijos y brindarles un futuro alentador.
Back To The Future II, comprende lógicamente la segunda parte de la trilogía. Fue rodada en 1989, dirigida por Robert Zemeckis y escrita por Zemeckis y Bob Gale.
Según cuenta el mismo Robert Zemeckis, la primera película no fue diseñada para tener una secuela. Sólo debido al éxito taquillero que significó la primera parte fue por lo que se hizo la segunda e, incluso, la tercera parte. Tal es así, que en la edición de DVD Robert Zemeckis comenta que el hecho de que el De Lorean volara fue solamente un gag humorístico, y fue por eso que Jennifer estaba dentro de él. Un gag que casi le costó muy caro ya que al momento de hacer la secuela tuvieron que inventar una historia que involucrara a Jennifer, lo cual -según sigue comentando- si se hubiese sabido de antemano que iba a haber una segunda parte, no hubiese sucedido
Back To The Future III, es la tercera y última entrega de la trilogía. Su estreno se llevó a cabo en 1990 y a pesar de contar con la genial actuación de Michael J. Fox y de seguir con el hilo cómico de la historia, no fue un éxito de taquilla tan contundente como las dos primeras partes. Al igual que en las dos primeras películas, Marty sufre un accidente, se desmaya y termina en la casa de sus antepasados, la Granja McFly. Ahí Marty conoce a su tatarabuelo, Seamus McFly (Michael J. Fox) y a su esposa Maggie (Lea Thompson).
Como datos curiosos encontramos dos en esta última entrega de la trilogía que no podemos dejar de mencionar: Por un lado, Michael J. Fox estuvo a punto de morir ahorcado en la escena en que el personaje de Marty es perseguido por Bufford Tannen y el grupo. Cuando lo cuelgan en la torre del reloj en construcción se dañó el sistema de seguridad, provocando que el pobre Fox quedara atrapado. Por otra parte, en esta película hay un supuesto error: los antepasados de Marty en el viejo Oeste, son Seamus McFly y su esposa Maggie, interpretados por el mismo Michael J. Fox y por Lea Thompson, lo cual hace suponer que son ascendientes por parte de su mamá. Sin embargo, se apellidan McFly, siendo éste el apellido de su papá George McFly.
En fin, con esta trilogía tenemos una buena dosis de viajes en el tiempo y cambios en el futuro. Pero si siguen pensando aún en conseguir esa bendita máquina que nos transporte hacia una fecha determinada, tengo un consejo más casero. Yo creo que todo se puede modificar, que depende de nosotros mismos. Basta con mantenernos firmes en lo que queremos alcanzar para poder llegar a ello tarde o temprano. Es cierto que no podemos volver atrás para cambiar lo que no nos gustó, como sí podría hacerse en esta magnífica obra de Spielberg. Sin embargo, es cierto que sí podemos idear lo que va a venir. Lo importante es tener bien claro fechas, direcciones y convicciones, para, de ese modo, nunca olvidar el camino más sano, seguro y confortable, el camino que nos lleva a casa
Silvina Rodríguez Gáspari
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Family Ties fue una serie norteamericana, que tuvo a Gary David Goldberg como creador y productor ejecutivo y fue emitida entre 1982 y 1989, permaneciendo en el aire, de esta manera, por siete temporadas.
Lazos de Familia era una comedia de situaciones que intentó mostrar el choque de dos mentalidades: la de los padres que venían de los años sesenta y la de los hijos atados al materialismo conservador de la época. La premisa inicial era básica, y ya en los créditos podíamos ver, a través de fotos familiares, el pasado de esta pareja de hippies que se conocían en medio de la revolución de las flores y las protestas contra la Guerra de Vietnam.
¿Cuál es el colmo de un padre hippie? Tener un hijo yuppie. Elyse y Steve Keaton (Meredith Baxter y Michael Gross) eran los conflictuados padres de tres chicos muy distintos a ellos. Alex (Michael J. Fox) era republicano, se vestía de traje y corbata y era un aspirante a yuppie, ambicioso y materialista. Mallory (Justine Bateman), era la típica adolescente, cuyos mayores intereses se centraban en el teléfono y los enredos con los muchachos. La menor, Jennifer (Tima Yothers), era la más lista, aunque algo desadaptada y poco femenina.
La trama con el tiempo fue madurando y se fue concentrando en los enredos familiares. La familia de los Keaton, estaba compuesta por una madre arquitecta y un padre ejecutivo de la Tv Local. Sus tres hijos eran muy ocurrentes, conformando los gags cómicos. En 1985, se suma otro hijo al matrimonio.
El humor estaba dado por el choque generacional y por el espanto mutuo que provocaban sus diferentes actitudes. Los papás de Alex no podían creer que su hijo fuera tan conservador y obsesionado por el dinero. Alex y su hermana, por su parte, llegaban a asquearse cuando veían a sus padres con actitudes románticas o apasionadas.
La serie pronto se enfocó en el personaje de Alex, quien comenzaría a vislumbrar la fama. Lazos Familiares fue el descubrimiento de Michael J. Fox, cuyo verdadero nombre es Michael Andrew Fox, pero decidió cambiarlo en homenaje al comediante Michael J. Pollard. Fue a los 18 años cuando decidió dejar Canadá para trasladarse a Estados Unidos. Hasta que fue contratado para esta serie, vivió en Los Ángeles con problemas económicos.
Sin embargo, rápidamente se volvió famoso y gracias a su papel ganó un Globo de Oro y tres Emmy consecutivos. Fue su éxito televisivo, el que motivó a Spielberg a llamarlo para protagonizar Volver Al Futuro, cinta dirigida por Robert Zemeckis que fue furor de taquilla, dio para una trilogía y convirtió a Fox en una estrella de cine.
Pero!!! –siempre hay un pero- Vayamos a los datos curiosos! Como siempre digo, nunca falta el que te quiere cortar las alas antes de ver apenas cómo las sacudís. Para Fox no fue la excepción. En su primera audición, el actor juvenil fue rechazado por Gary David Goldberg, quien terminó por aceptarlo para el papel luego de un nuevo intento. Parece que el ejecutivo no estaba convencido de que Fox fuera la persona indicada para el papel de Alex P. Keaton… Más tarde, tanto Goldberg como Spielberg le dieron una segunda oportunidad a Michael J. Fox con Spin City, creada y producida por el primero, bajo la tutela de los estudios Dreamworks, propiedad del segundo. Cosas que pasan y que seguirán pasando aparentemente. En este tipo de conceptos pareciera que no se trastocan nunca los cables generacionales, y se utilizaran siempre los mismos códigos. En fin, lo importante es que siempre (o la mayoría de las veces) existen las segundas oportunidades y fue gracias a eso que hoy tenemos a Michael J. Fox, un gran actor y ejemplo de lucha contra el Parkinson. Así que con este actorazo y el recuerdo de su simpática comedia ochentosa, nos despedimos por hoy, deseándoles por supuesto un MUY FELIZ DÍA A TODAS LAS MAMÁS!!!!
Silvina Rodríguez Gáspari
Footloose es una película estadounidense estrenada en 1984 e inspirada en hechos reales ocurridos en la pequeña comunidad rural de Elmore City, Oklahoma. En su reparto, no podemos dejar de mencionar a Kevin Bacon, Chris Penn (hermano del también actor Sean Penn) y a Sarah Jessica Parker, quien realizaba una de sus primeras apariciones en el universo cinematográfico. Es importante señalar a modo de dato curioso que quien iba a obtener el protagónico en un primer momento era nada más y nada menos que Jon Bon Jovi.
El film narra la historia de Ren McCormack (Kevin Bacon), un adolescente que ha vivido siempre en Chicago, hasta que se traslada a una pequeña localidad donde el Ayuntamiento ha prohibido el baile y la música rock. Ren despierta entre sus compañeros de instituto la pasión por la música y todos ellos se unen para reivindicar una fiesta con motivo de su graduación. Frente a su petición, encontrarán la severa oposición del Reverendo Shaw Moore (John Lithgow), especialmente hostil al descubrir que su hija Ariel (Lori Singer) ha sido seducida por Ren.
Como verán, la trama no esconde nada nuevo para el espectador, pero sin embargo, ha logrado atrapar a una enorme audiencia, como así también a muchos “creativos” que decidieron tomar la receta y reciclarla un poco. Evidentemente, nunca falla.
Tratándose de un producto tan bueno, se buscó explotarlo al máximo y así, en 1998, nació el musical inspirado en la película. El mismo, contó con Banda sonora de Tom Snow (entre otros), letras de Dean Pitchford (con letras adicionales de Kenny Loggins) y libreto de Pitchford y Walker Bobbie.
Footloose – the Musical- se estrenó en el Richard Rodgers Theatre de Broadway el 22 de octubre de 1998 y se realizaron 709 representaciones hasta el 2 de julio de 2000. Estuvo bajo la dirección de Walter Bobbie con coreografías de A.C. Ciulla.
Aparentemente, el musical recibió críticas algo mediocres a pesar de lo que algunos llamaron “un éxito razonable”. La conclusión general fue que el espectáculo era, en sí, pobre; pero la música y el excelente reparto lo hizo entretenido. Footloose, ha tenido un legado tras su versión original. Parece haber sido uno de los musicales más representados en institutos y colegios en los últimos años, al menos en Estados Unidos. También fue nominado para varios Premios Tony.
Más tarde, la producción de Londres de Footloose – The Musical apareció en el Novello Theatre en The Strand para luego viajar en dos giras regionales por el Reino Unido.
Se estrenó el martes 18 de abril de 2006, bajo la dirección de Karen Bruce y con un equipo creativo que incluía a Morgan Large (escenografía y vestuario), James Whiteside (iluminación) y Mike Dixon y Chris Egan (supervisión musical). El papel del Reverendo Shaw Moore, interpretado al principio por Stephen McGann, pasó a David Essex el 10 de junio.
El 11 de noviembre, tras haber estado representando en días de lleno absoluto, la producción cerró porque el teatro ya no estaba disponible para más representaciones. Después de completar su tercera gira por el Reino Unido, volvió al West End, donde se estuvo representando desde el 17 de agosto de 2007 al 6 de diciembre del mismo año en el Playhouse Theatre. El 6 de marzo de 2008 finalizó su período de inactividad para representar indefinidamente en Londres.
Así es amigos, les guste o no, los musicales –hablando con un poco de desprolijidad- “garpan”. Así surgieron todos los grupitos pop, las películas-musicales, los insufribles “Teen Angels” y hasta la película de “La Sole”. Esto de la música ha resultado mucho más que una receta infalible, es algo así como “El Secreto” de Rondha Byrne, una verdadera clave para el éxito.
Silvina Rodríguez Gáspari
Los New Kids on the Block (también conocidos como NKOTB) son un grupo pop estadounidense que gozó de fama y éxito a finales de los años ochenta y principios de los noventa. Formados en Boston, en 1984, por el productor Maurice Starr, la banda está integrada por Joey McIntyre, Donnie Wahlberg, Danny Wood y los hermanos Jordan Knight y Jonathan Knight. El grupo vendió más de 80 millones de copias a nivel mundial y generó cientos de millones de dólares en ventas de sus conciertos y han sido nominados al Grammy.
Estos muchachitos, siendo partícipes de una nueva ola, provocando el llanto de adolescentes que se desesperaban por verlos cantar y bailar, dieron origen, más tarde, a otros grupos que alcanzaron descomunal éxito durante los noventa. Este es el caso de los Take That (Inglaterra); Backstreet Boys, N*Sync, Five (USA) y Westlife (Irlanda). Asimismo, más tarde, estallaría el boom de los programas “busca talentos” al mejor estilo “popstars”.
La historia comienza a principios de la década del ochenta, cuando, Maurice Starr formó el quinteto de R&B/Pop llamado New Edition y guió su pronto éxito. Después de romper los lazos con el grupo, Starr y su compañero de negocios, Mary Alford buscaron crear una versión blanca de New Edition. Las audiciones se llevaron en Boston, en la cual alrededor de 500 adolescentes se presentaron. Entre ellos, estaba un joven de 15 años, Donnie Wahlberg, por quien Starr y Alford quedaron inmediatamente impresionados y quien se convertiría en el primer miembro.
Donnie asistió para ayudar a reclutar a otros miembros. Entre ellos estaba su hermano más joven Mark y su mejor amigo Danny Wood. Más tarde, Wahlberg atrajo a sus compañeros de la escuela Jonathan y Jordan Knight, quienes tenían un talento excepcional para cantar. Conforme el grupo comenzó a tomar forma, Mark se desilusionó con su dirección y optó por salirse de él. Otro de los amigos de Donnie, Jamie Kelley, tomó su lugar. Kelley, sin embargo, sería finalmente despedido por falta de concentración y disciplina. Starr lo reemplazó con Joe McIntyre, a quien los otros chicos rechazaron al principio por tratarse de quien reemplazó a su amigo.
Con la formación final en su lugar, Starr logró firmar un contrato discográfico en Columbia Records para el recién formado grupo (el cual había sido llamado Nynuk). La discográfica, sin embargo, le pidió a Starr que le cambiara el nombre al grupo por lo que fueron nombrados como New Kids on the Block, a propósito de una canción rap que Donnie había escrito para el álbum.
El primer álbum, lanzado en 1986, no alcanzó el éxito esperado. Pero como siempre decimos, es cuestión de esperar una nueva oportunidad. A pesar de que los chicos estaban muy decepcionados, Starr persuadió a la discográfica para permitir al grupo grabar un segundo álbum. Pese al fallo comercial inicial, ‘New Kids on the Block’ se convertiría en triple platino, en respuesta a la popularidad posterior del grupo.
Tras el fracaso del primer álbum, Starr llevó de vuelta a los chicos al estudio entre 1987 y 1988. El primer sencillo del álbum fue “Please Don’t Go Girl”, una balada liderada por Joey, lanzada en la primavera de 1988. El error estaba destinado a ocurrir por segunda ocasión cuando la canción se convirtió en una más que pasó desapercibida por el público. Como resultado, Columbia Records hizo planes para retirar a los New Kids de la casa discográfica. En el último momento, una estación de radio de Florida comenzó a poner la canción. Obteniendo una buena respuesta de parte de los oyentes, pronto se convirtió en la canción muy solicitada. Cuando Columbia se dio cuenta de la respuesta positiva, decidieron mantener al grupo en su lista y pusieron más esfuerzo en promocionar el sencillo. La atención a nivel nacional siguió y finalmente escalaron a la posición número 10 del Billboard’s Hot 100 Singles Chart — convirtiéndose en el primer éxito del grupo.
“Good Vibrations”, y obtuvo álbum de platino. Los New Kids encabezaron la lista Forbes de los artistas mejor pagados en 1990 — dejando atrás por un tiempo a otros como Michael Jackson y Madonna (pero esto no duraría mucho). Capitalizando en su fama, a fin de año Columbia Records lanzó al mercado el álbum No More Games/The Remix Album — una compilación de los éxitos del grupo remezclados.
Iniciado el año 1991, el grupo se volvió tan sobreexpuesto que un contragolpe público y comercial se formó. Sintiendo que era hora de darle un descanso al mercado americano, el grupo no grabó nuevo material discográfico aquel año — pero continuó su gira por Europa y Asia. Ese verano, Donnie produjo el álbum debut del grupo de su hermano Mark Marky Mark And The Funky Bunch — que llegó a ser número uno con el sencillo “Good Vibrations” y obtuvo álbum de platino.
Enfrentados con la constante salida de la gente fuera de su mercado juvenil y la maduración de aquella base, el hecho de que ellos mismos ya no eran adolescentes, y que el tipo de música que les había hecho famosos se desvaneció — el grupo se separó de Maurice Starr, cambiando y reduciendo su nombre a NKOTB y volvieron al escenario en enero de 1994 con Face The Music.
Siendo su primer material en más de tres años, este álbum presentó un sonido más maduro que los anteriores. A pesar de recibir buenas críticas, el álbum no fue un exito de ventas. Los sencillos salidos de este álbum fueron “Dirty Dawg” (el cual contó con aportación de Nice & Smooth) y “Never Let You Go”. NKOTB realizó su gira para promocionar el álbum, pero fue entonces cuando se enfrentaron a la realidad de su época como iconos de la música pop, ya no eran populares. Por ello sus presentaciones eran básicamente en clubes y teatros — opuesto a las arenas y estadios en los cuales se presentaban anteriormente. En uno de sus conciertos, Jonathan Knight anunció al público que dejaría al grupo. Tras su salida, el resto de los integrantes decidieron continuar la gira, pero no tardó en llegar la decisión de los cuatro NKOTB restantes de cancelar el resto del tour, y subsecuentemente se separaron.
Sin embargo, este distanciamiento sólo sería una larga pausa que les permitiría abrir proyectos solistas, formar familia, aparecer en TV (Joe McIntyre se convirtió más tarde en partícipe de la serie de televisión de la cadena FOX Boston Public) y hasta en musicales de Broadway. De este modo, se reunieron en 2008 y tomaron un nuevo estilo, lanzando un nuevo álbum y empezando una gira mundial de conciertos en otoño. El nuevo trabajo, titulado “The Block”, fue lanzado el 2 de septiembre de 2008.
Los New Kids siguieron en conciertos hasta mayo de 2009, donde su última presentación fue en un crucero por las Bahamas, y luego volvieron con una nueva gira llamada “Full Service Tour”, en Norteamérica, desde el 28 de Mayo hasta el 18 de Julio en The Woodlands, Texas. Además, anunciaron una gira en Australia que iba a comenzar el 1 de agosto y terminaría el 15 del mismo mes, pero la cancelaron escudándose con el tema de la “crisis económica actual”. La recaudación en su gira New Kids on the Block: Live / Full Service Tour fue de $30 millones USD.
Finalmente, en agosto de 2010, anunciaron que harían una gira mundial con los Backstreet Boys en 2011 y otra presentación en un crucero en ese mismo año. Y sí, estos últimos veteranos han decidido juntarse con quienes les enseñaron –por decirlo de alguna forma- la infalible fórmula del éxito. Así que muchachas y muchachos (por qué no!) amantes del pop y de este tipo de grupetes, prepárense porque el año que viene van a poder disfrutar del Mc Combo: BSB & NKOTB por el mismo precio Enjoy it!!!!
Silvina Rodríguez Gáspari
New Order fue un grupo inglés de rock, formado en 1980 por los miembros del disuelto grupo Joy Division (banda que llegó a su fin tras la muerte del joven y talentoso Ian Curtis). La versión temprana de New Order era fácilmente relacionable con el grupo anterior, pero enseguida encontraron un sonido característico, descrito como una fusión entre la música electrónica y el new wave o post punk.
En sus comienzos, estuvo integrado por Bernard Sumner (guitarra, teclados y voz), Peter Hook (bajo) y Stephen Morris (batería). En 1981, se sumó Gillian Gilbert (teclados; actualmente esposa de Morris), quien abandonó el grupo en 2001, para cuidar el hijo de ambos, el cual padece una grave enfermedad. En su lugar se incorporó Phil Cunningham, para hacerse cargo no sólo de los teclados, sino también de la guitarra.
Es una de las bandas más importantes de la historia musical moderna e influyente en la música popular de las dos últimas décadas.
La historia comienza en Mánchester, en el año 1976, cuando Bernard Sumner (guitarra), Peter Hook (bajo), Stephen Morris (batería), e Ian Curtis (cantante), se reúnen con el nombre de Warsaw. Después cambian su nombre a Joy Division, evolucionando la música punk heredada por los Sex Pistols, creando lo que se llamaría post-punk. En 1980, Ian Curtis se quitó la vida (a la edad de 23 años, decidió colgarse en la cocina mientras escuchaba el disco The Idiot de Iggy Pop), lo que significó el fin de Joy Division. Por su parte, los demás miembros resolvieron seguir haciendo música bajo el nombre de New Order, esta vez con la tecladista Gillian Gilbert (esposa de Stephen Morris).
New Order perteneció al sello discográfico Factory Records, propiedad de su amigo Tony Wilson. Cuando el sello cerró, la banda hallaría acomodo en London Records, donde editarían sus discos restantes.
En 1981, editaron su primer álbum discográfico bajo el nombre de New Order, titulado Movement, que incluía todavía un sonido similar al de Joy Division, cercano al Post-Punk. Después de muchos trabajos lanzan su canción más representativa, Blue Monday que alcanzó éxito mundial. En 1989, lanzaron uno de sus mejores discos, Technique, donde encuentran un sonido tecno con una ligera mezcla del new wave y es considerado, junto al Happiness de The Beloved, el disco que marca el cambio de la música de baile enfocada al hedonismo a la música de baile enfocada a la introspección.
Otro de sus grandes éxitos ha sido Bizarre Love Triangle, editado en 1986. Una versión de esta canción fue incluida en su álbum Brotherhood y ha sido reconocida como uno de los mejores singles del grupo. Sin embargo, “Bizarre Love Triangle” no logró ingresar al Top 40 en el Reino Unido, alcanzando sólo la posición número 56. A pesar de estos números que no cierran, fue un éxito sorpresivo en Australia, donde llegó al puesto número 5 y dio inicio a una seguidilla de cinco éxitos consecutivos en el Top 20. En Estados Unidos, la popularidad de la canción sólo aumentó paulatinamente desde 1986 y se considera un clásico en muchos círculos. Recientemente, en 2004, la canción alcanzó el puesto número 201 en la lista de las 500 grandes canciones de todos los tiempos, editada por la revista Rolling Stone.
Actualmente, el futuro de la banda es incierto. Sin embargo, a finales de 2008 Warner Records re-editó los primeros álbumes de la banda (el catálogo con Factory Records) en ediciones especiales incluyendo en cada uno un disco extra con lados b, remixes y singles. En tanto, se cree que pronto habrá más material por lanzar de la banda, como los temas inéditos de las sesiones del Waiting For The Sirens’ Call.
Por su parte, Bernard Sumner anunció en 2008 un nuevo proyecto llamado Bad Lieutenant, banda que en 2009 lanzó su álbum debut “Never Cry Another Tear”, la cual cuenta con Phil Cunningham y Jake Evans, además de colaboraciones de Stephen Morris, quien tocó baterías en algunas canciones del disco (sin embargo Sumner recientemente lo llamó un miembro oficial de la banda), y Alex James, bajista de Blur. El grupo es considerado por los medios como “el nuevo New Order”, a pesar de que esta banda tiene un sonido un poco más Rock Alternativo con ciertos toques un poco más acústicos. Los más clásicos, preferimos quedarnos con el original “New Order” y otorgarle a Bad Lieutenant la categoría de “nuevos sonidos”, que no quiere decir que sea malo. Se trata de conservar los ecos ochentosos tales como sonaban en aquel entonces, reconociendo lo difícil que resulta reciclar bandas tan significativas y características de una época sin igual.
Silvina Rodríguez Gáspari
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